Cours d’Anna Guilló Sommaire








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Dessin contemporain


EP 04 10705. Licence 1 1er semestre

Cours d’Anna Guilló

Sommaire



Avant-propos

Introduction : Pourquoi le dessin « contemporain » ?

Chapitre 1 : Le dessin comme dessein (mais pas que)

Chapitre 2 : Le dessin d’observation, la question de la ressemblance

Chapitre 3 : La perspective et (autres perspectives)

Chapitre 4 : Dessin abstrait et abstraction du dessin

Conclusion 


Conseils généraux

Index des illustrations

Bibliographie

Avant-propos des auteurs des cours de « Dessin contemporain »

CNED, 1ère et 2ème année.
La réforme LMD (Licence, Master, Doctorat) qui a récemment touché l’Université française a été l’occasion, pour notre discipline, de renouveler les contenus pédagogiques de ses enseignements. Alors qu’il est très largement représenté depuis environ une dizaine d’années dans les galeries et musées d’art contemporain, le dessin se devait donc d’intégrer la formation pratique que nous proposons à nos étudiants.

En ayant le souci constant d’être en phase avec les pratiques artistiques les plus actuelles, nous avons conçu ces trois cours de « Dessin contemporain » dispensés en 1e et 2e année de Licence suivant une progression qui nous a paru s’adapter aussi bien aux exigences universitaires qui sont les nôtres qu’aux besoins des étudiants qui débutent dans une formation en arts plastiques.
C’est ainsi que le cours d’Anna Guilló se présente comme une première initiation au dessin. Elle met en parallèle le dessin d’aujourd’hui avec celui de la grande tradition académique tout en tentant de battre en brèche les nombreux a priori qui entourent encore son enseignement. Le cours alterne entre données théoriques, historiques et propositions de recherches plastiques à travers une introduction : « Pourquoi le dessin "contemporain"  » ? et quatre grands chapitres, divisés en sous-chapitres, a) Le dessin comme dessein (mais pas que), b) Le dessin d’observation, la question de la ressemblance, c) La perspective et (autres perspectives), d) Dessin abstrait et abstraction du dessin.
Le cours de Katrin Gattinger pour la 2e année (1er semestre) propose une approche du corps dessiné et du corps dessinateur. À partir d’analyses d’images de la création contemporaine, elle amorce dans la première partie des articulations entre dessin réaliste et dessin imaginaire en accordant une place particulière à la notion d’indéfinition et au geste, puis à la figure et l’évocation du corps non figuré. La deuxième partie met l’accent sur l’implication du corps du dessinateur à travers des traces et des empreintes pour enfin aborder des pratiques liées à la performance et aux « machines à dessiner ». L’ensemble du cours est traversé par un « regard pratique », des propositions d’expérimentations et des pistes de recherches plastiques.
Pour le second semestre de cette 2e année, le cours de Nathalie Delbard se présente suivant une double articulation autour de la notion de « réel », portant d’une part sur un approfondissement de la question de la ressemblance (déjà abordée en 1e année), et d’autre part sur une ouverture du dessin à d’autres modes de représentation, en particulier photographique et cinématographique. Le cours choisit d’établir une progression à travers 4 parties : a) Un réel inépuisable, qui permet de penser le dessin d’observation comme pratique de la variation et renouvellement des approches b) Enjeux de la dissemblance (perdre pour gagner), qui propose d’expérimenter la dissemblance comme moyen d’opérer des choix essentiels dans le saisissement du réel c) Le dessin à l’aune des arts « visuels », qui tente de mesurer les incidences de l’émergence des images reproductibles sur les manières de dessiner aujourd’hui, et enfin d) L’image saisie par le dessin, qui envisage la pratique du dessin dans ses dimensions critiques et principalement transversales.
Globalement, ces 3 cours permettent donc, en 1e année, de s’interroger historiquement et pratiquement sur ce qu’est le dessin contemporain, sensibilisant ainsi l’étudiant à de multiples entrées ; d’approfondir, en 2e année, deux des questionnements qui nous sont apparus les plus fondamentaux dans la perspective d’une pratique contemporaine : pour le premier semestre, le dessin dans son rapport au corps, qu’il soit représenté ou outil de création, et pour le second semestre, le dessin dans son rapport au réel, en prise avec les modes de représentation actuels. À cet égard, nous noterons toutefois qu’il ne s’agit pas tant de compartimenter les enseignements, que d’opérer par jeux successifs de complémentarité, les différentes notions abordées étant évidemment intrinsèquement liées.
Enfin, c’est parce que nous espérons que ces trois cours forment un tout cohérent que nous avons choisi de proposer une bibliographie (et, à terme, une iconographique) commune se trouvant à la fin de chaque fascicule. Gageons que les étudiants sauront s’approprier les contenus de ces enseignements de manière créative, que les pistes esquissées ici seront autant de stimulations pour le développement de leurs démarches personnelles, et que cette introduction au dessin contemporain saura attiser leur curiosité pour une pratique très prégnante dans les démarches de bon nombre de grands artistes.

Nathalie Delbard, Katrin Gattinger, Anna Guilló


Introduction
Pourquoi le dessin « contemporain » ?


Fig. 1 Sol LeWitt, Wall Drawing #146, septembre 1972. Crayon bleu, Dimensions variables. Collection Salomon R. Guggenheim Museum, New York.

Si de prime abord il paraît normal d’intégrer un cours de dessin dans un cursus d’arts plastiques (a fortiori, lorsqu’on débute dans ce genre de formation), on peut en revanche légitimement s’interroger sur la présence du terme « contemporain » dans l’intitulé du cours. Laisserait-il croire qu’il pourrait y avoir des cours de peinture, de sculpture ou de vidéo qui ne seraient pas contemporains ? Irait-on, a contrario, risquer le ridicule et intituler un cours de sérigraphie « sérigraphie ancienne », par exemple ? Le cas du dessin est plus problématique, nous allons tenter brièvement d’expliquer pourquoi.
D’emblée, précisons que l’attribution du terme « contemporain » dans le cadre de ce cours, concerne tout autant, voire plus, une conception du dessin que le dessin lui-même. En effet, on pourrait affirmer un peu grossièrement que d’un point de vue technique, le dessin n’a pas beaucoup évolué depuis Lascaux (Fig. 2. Grotte de Lascaux, 17000 av. J-C. Salle des taureaux. Dordogne, France. Fig. 3. Pablo Picasso, Saut à la perche [Série des tauromachies], 1959. Aquatinte, 35,5 x 50 cm.), même si la découverte de la perspective et la révolution numérique en ont proposé d’autres modes de présentation et de représentation (le dessin à la souris par exemple). Disons que la pratique du dessin, définie ailleurs comme « outil de connaissance du réel », reste inchangée en tant que geste graphique, mais qu’elle a beaucoup évolué dans sa manière d’être pensée et mise au service d’une démarche artistique.
Le dessin est victime d’idées fausses véhiculée notamment par certains néophytes ou radicaux qui l’assimilent systématiquement à une vision surannée et académique, principalement rattachée aux poncifs du XVIIIe siècle. Ainsi l’idée du « savoir dessiner » comme faisant partie de l’apprentissage de base de l’artiste, le dessin équivalant aux gammes du musicien, ou encore le dessin comme gage d’excellence d’un artiste sont autant d’idées reçues que ce cours sur le dessin contemporain va tenter de déplacer. Mais il ne les déplacera pas en niant l’histoire du dessin, au contraire, il s’agira de montrer comment le dessin reste affilié à son passé et comment les artistes contemporains l’emploient dans leur travail. Car s’il est évident qu’un « bon dessinateur » ne fait pas nécessairement un « bon artiste », il est rare de croiser des artistes qui n’emploient pas le dessin dans l’une ou l’autre des étapes de leur travail, tant il est vrai qu’en arts plastiques on réfléchit souvent le crayon à la main. Mais là encore, il est important de ne pas enfermer le dessin dans un autre poncif, celui de l’étape préparatoire, comme si le dessin devait toujours être réduit à l’esquisse, au croquis, à l’ébauche. Or le dessin est une pratique à part entière et fait partie des nombreux outils qui forment le vaste éventail des pratiques actuelles. Osons rappeler que la classification et le cloisonnement des pratiques artistiques n’est plus d’actualité depuis la révolution artistique des avant-gardes ; ainsi les artistes d’aujourd’hui touchent-ils à diverses techniques en fonction de leur projet initial ; le dessin en fait partie, comme le montrent par exemple les Wall Drawings de l’artiste américain Sol LeWitt (Fig. 1). Ces derniers cristallisent les modèles théoriques de l’artiste notamment dans la distinction art minimal/art conceptuel, mais soulèvent également la question de l’art in situ ainsi que celle de l’art par délégation. En effet, Sol LeWitt ne réalise pas lui-même ses dessins muraux mais se contente de fournir un certificat accompagné d’un schéma. L’œuvre sera réalisée par des assistants auxquels il laisse par ailleurs une certaine liberté de manœuvre. Mais avant de comprendre comment la vidéo, les installations ou la performance intègrent aujourd’hui le dessin, il nous faudra d’abord explorer pour mieux les comprendre les approches plus traditionnelles : le projet, le dessin d’observation, la perspective… où l’on verra qu’aujourd’hui l’œuvre finale peut précéder le dessin, qu’un dessin peut être « ressemblant » sans être réaliste, que la perspective comme procédé de projection est très présente dans les œuvres évoluant dans l’espace, que le dessin ne se réduit pas au crayon sur papier, enfin, que le dessin est une pratique à part entière qui a depuis longtemps tordu le cou à la question de l’imitation.
À la fin de chacun des chapitres, des hypothèses de travail et de recherche vous seront proposées. Il est important de les prendre en compte et de les expérimenter afin de vous préparer au mieux à l’examen final. Il est par ailleurs indispensable que vous consultiez toutes les images proposées sur Internet ainsi que les ouvrages cités en note. Attention, ceci n’est pas un cours d’histoire de l’art mais bien un cours de pratique plastique, aussi paradoxal que cela puisse paraître. Il importe donc que, parallèlement à sa lecture, vous soyez dans une pratique constante et régulière.
Enfin, pour ce premier semestre, il est fortement recommandé d’avoir un carnet de croquis qu’il faudra alimenter d’environ 5 croquis d’observation rapides par jour. Pour tout ce qui concerne les modalités d’examen, la préparation de ce cours en dehors du cours lui-même et le matériel, merci de vous reporter à la partie « Conseils généraux » en fin de document.

Chapitre 1 : Le dessin comme dessein

(mais pas que…)


  • Le disegno

  • Projets, esquisses et croquis

  • Le « post-jet »

  • Techniques et propositions de recherche



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